Materiales:
- Porcelana Fría.
- Gouache.
- Papel reciclado.
- Alambre.
- Madera mdf (soporte)
Elementos:
- El principito.
- Zorro.
- Cordero.
- "Sombrero" / Boa comiendo un elefante.
- Asteroide b612.
- 3 volcanes.
- Serpiente venenosa.
- Árbol baobab.
- Flor.
miércoles, 17 de mayo de 2017
El Principito
Materiales:
lunes, 15 de mayo de 2017
Análisis de largometraje
El lado oscuro del corazón
El amor todo lo
puede…….inclusive jugar en contra de la muerte. . Lo que parece ser en un
principio, una mujer muy paciente, preocupada por conseguir un trabajo para un
poeta, resulta ser la muerte, enamorada de los versos del personaje principal.
El largometraje “El lado oscuro del corazón”
relata la historia de un poeta que se dedica a frecuentar bares y antros en
busca de mujeres atractivas, acostarse
son ellas y desechar a toda aquella que
<<no pueda volar>>. Claramente se puede apreciar que el
personaje del poeta, no tiene sueños ni aspiraciones, vive con lo justo y se propone
ganar dinero cada vez que en realidad lo necesita. El estilo de vida del hombre
cambia cuando conoce a una dama de compañía, y se enamora de ella, por el
simple hecho de que ella <<si puede volar>>, por su parte, a ella,
solo le interesa el dinero, y no está entre sus planes establecer una relación
seria.
Una comedia negra,
erótica, con lenguaje explícito, giros inesperados y cuestiones que te
sorprenderán, te ofrece esta película (para mayores de 18, cabe recalcar). En
lo personal, la trama me gustó, exceptuando por las escenas de sexo implícito
que no hicieron más que incomodar. El vocabulario de “camionero”, los falos, las
reprimendas de la ley, y mis propias reacciones, dejaron en claro el
enfrentamiento que existe entre los grupos conservadores y los liberales. ¿Por
qué la sexualidad debe ser tratada como un tabú? ¿Por qué existen grupos
sociales tan diferentes? ¿Por qué son tan pocos los que pueden volar?
Tipos de Composición
Tipos de Composición
1.- Triangular.
3 elementos de interés que se equidistan dentro del espacio y se
encuentran en primer plano.
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Obra: Italia and Germania
Autor: Johann Friedrich Overbeck
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2.- Composición Vacua / Abierta / Centrífuga
La composición
abierta puede ordenarse alrededor de un eje central o lateral o en función de
un punto de fuga exterior. La definiremos como aquella en la que los elementos
huyen del centro teórico.
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Obra: El rapto de las Sabinas
Autor: Anónimo
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3.- Composición Centrípeta / Cerrada
La composición
cerrada acostumbra a ordenarse en función de un eje central. Todos los
elementos se dirigen hacia el centro teórico del cuadro y, normalmente, incluye
la totalidad de los elementos de la representación. Es propia del mundo
medieval y renacentista.
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Obra: La virgen
y el niño
Autor: Masaccio
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4.- Composición Aurea
La composición
áurea es un método de división ideal de un rectángulo para componer una
imagen basándose en puntos que unen a los lados entre sí.
Estas direcciones
y puntos sirven para organizar armónicamente las formas que compondrán la
imagen, tomando en cuenta las direcciones y puntos generados por el cruce de
estas líneas imaginarias.
 |
Obra: La Mona Lisa
Autor: Leonardo Da Vinci
|
5.-
Composición Radial.
Hablamos de simetría
radial o central cuando los registros decorativos se disponen de forma
radial en torno a un punto central por el que pasan numerosos ejes de simetría.
Los elementos se
distribuyen en varios ejes que pasan por un punto común situado en el centro y
van girando como radios de una circunferencia.
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Obra: Decoración Bóveda Interna
Ubicación: Santuario de Nuestra Señora
de Contrueces
|
6.-
Composición Aérea.
En
la composición aérea, el artista suaviza el trazo a medida que los objetos se
alejan, difuminados por la masa de aire interpuesta, con lo cual consigue dar
la sensación de auténtica lejanía. Rompe así con la impresión de dureza y
rigidez propia de la pintura del Quattrocento, haciendo que las figuras casi desaparezcan
en las sombras (Cristina, 2009).
 |
| Obra: La virgen de las rocas. Autor: Leonardo Da Vinci. |
7.-
Composición Axial.
Cuando los
elementos que forman la composición se distribuyen simétricos sobre un eje
central imaginario situado en la mitad de la obra.
8.-
Composición Geométrica.
La abstracción geométrica se basa
en una pintura que pretende la bidimensionalidad del plano. Se funda en el
empleo del rectángulo y del cuadrado. Se persigue la armonía aunque desechan la
simetría. Se usan colores primarios: azul, rojo, amarillo. El blanco se usa
como fondo neutro y el negro como lineal delimitatorio o contorno (Kracks,
2012)
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| Obra: El quitasol Autor: Francisco de Goya |
9.- Composición Simétrica
Una composición
es simétrica cuando el peso visual de los elementos está repartido de modo
equivalente con respecto a uno de los ejes principales, verticales u
horizontales.
 |
Obra: El nacimiento de Venus
Autor: Botticelli
|
Bibliografía:
- Salinas R. (2011) Scribd – Composición en la Pintura (pw), https://es.scribd.com/doc/57027852/Composicion-en-La-Pintura
- Weimer M. (2013) Slideshare – Lenguajes artísticos la pintura compilado (pw), https://es.slideshare.net/MartnWeimer/lenguajes-artsticos-la-pintura-compilado-2013
- Wikipedia (2012) Wikipedia – Composición Aurea (pw), https://es.wikipedia.org/wiki/Composici%C3%B3n_%C3%A1urea
- Rojas E. (2014) Plasticarpet – Leyes compositivas (pw), http://plasticarpet.blogspot.com/2014/12/leyes-compositivas.html
- Kracks (2012) Portageo4 – Composición Geométrica (pw) http://portageo4.blogspot.com/2012/03/composicion-geometrica.html
- Cristina (2009) La guía – Leonaardo Da vinci (1452 – 1519) (pw) http://arte.laguia2000.com/pintura/leonardo-da-vinci-1452-1519
sábado, 13 de mayo de 2017
¿Qué pienso del Arte?
Preguntas sobre el ARTE
¿Qué es el Arte?
El arte es la actividad aplicada de
una tendencia artística creativa característica de una determinada época, en la
cual el artista o creador del arte, plasma sus ideas, posturas o creencias,
utilizando diferentes técnicas y estilos, con el objetivo de transmitir
conceptos y provocar reacciones, sentimientos u emociones en quienes aprecien
su obra.
¿En qué se distingue el arte de otras actividades?
En este caso al hablar de actividades
humanas nos referimos a los ámbitos en los cuales el ser humano es partícipe. El arte es, y existe en toda la
materia que nos rodea, nosotros mismos somos diseños únicos, y por lo tanto
somos arte. En las ciencias aplicadas también está presente el arte, en las
matemáticas, la biología, y que no hablar de la historia; los tercios dorados,
el número phi o número divino, la estrategia…….el arte de la guerra, entre
otros. La única diferencia que se me ocurre es, ¿Cómo manipula un ser vivo esta
materia para influir en los pensamientos de otros individuos? Me refiero; Si
quiero hacer un cuadro pictórico, puedo incluir campos matemáticos, biológicos,
históricos (que normalmente no son percibidos artísticamente por el hecho de no
ser bellos para alguien) y con la
combinación de diferentes conocimientos, estilos y técnicas puedo llegar o no a
producir arte.
En resumen recalco que en todo lo que
nos rodea existe arte, y su diferencia con otras actividades dependen de la
manera en la que un individuo manipule la materia para hacer que esta resalte
como tal, o su esencia siga en el anonimato.
¿Todo lo artístico es bello?
Lo bello varía según las necesidades
del individuo que la perciba. Lo bello causa satisfacción, emoción, atracción;
no todos tenemos las mismas preferencias, en consecuente, lo que para mí es
bello, puede que no lo sea para ti. A mi parecer el hecho mismo de que algo
exista, lo hace bello, sin importar si aquello es un David de Miguel Angel,
trabajado meticulosamente en mármol, o, un servicio probablemente sacado de un
baño de caballeros momentos antes de ser expuesta en una galería.
¿Es necesario el arte?
El arte es un ente histórico
fundamental para el desarrollo de sociedades, porque queramos o no, el arte
siempre ha estado presente y lo estará, el arte cuenta nuestra historia, desde
los primitivos australopitecos hasta nuestra sociedad industrializada y
consumista actual. El libro que cambió completamente la historia de la
humanidad, es enteramente, una obra de arte; lleno de metáforas, símbolos,
referencias históricas, personajes que han sido la inspiración de todo el arsenal
pictórico religioso que conocemos hoy en
día, este un claro ejemplo de la importancia que ha jugado el arte en la
construcción de las ideologías, gobiernos y sociedades.
¿Ha existido en todas las comunidades y épocas?
A conocimiento y buen recaudo de
todos, esta pregunta tiene una única y absoluta respuesta, SI. Desde las cuevas
de Altamira, pasando por la primera civilización de la historia (china), el
antiguo Egipto que sin su legado, el mundo actual sería ciertamente
inimaginable, Jesucristo, Roma, Medievalismo, Industrialización, hasta nuestra
sociedad del conocimiento. En todas y cada una de las comunidades que
existieron, ha estado presente el arte.
Análisis obras
Dies Irae
Autor: Joaquín Pinto
Colección Casa de la Cultura Ecuatoriana
Biografía del Autor:
Joaquín Pinto Ortiz (Quito, 18 de
agosto de 1842 - 24 de junio de 1906) fue un pintor ecuatoriano de la segunda mitad del siglo
XIX, destacado por ser uno de los pocos pintores
románticos y
entre los primeros costumbristas (tendencia o movimiento
artístico que
refleja los usos y costumbres de la sociedad) que
aparecieron durante las primeras décadas de la vida republicana del país.
Fue
uno de los máximos exponentes de la pintura quiteña, trabajó bocetos, pinturas
y grabados, con las más diversas técnicas: óleo, acuarela, pastel, témpera,
carboncillo, pintura al cebo, etc. Exploró
las posibilidades visuales de figuras arqueológicas, flora y fauna local, y
desarrolló temáticas variadas y usuales en su época: motivos religiosos,
retrato, academicismo, costumbrismo, paisaje, sátira y caricatura.
Joaquín
Pinto nunca salió de país, fue un artista autodidacta que provechaba la
información y recursos académicos que sus colegas trajeron de Europa. La
historia muestra que Pinto no estuvo vinculado directamente con las academias
de arte sino hasta 1902 cuando fue invitado a dirigir la Escuela de Pintura de
Cuenca, y en 1904 impartió clases en la nueva Escuela de Bellas Artes de Quito.
Análisis contextual:
Año: 1905
Técnica: Óleo sobre cobre
Dimensiones: 16 cm x 22 cm
En
1905, cerca del final de sus días, realizó el Dies Irae, óleo sobre cobre de 16 x 22 centímetros, que fue
reconocido como una de las más grandes creaciones artísticas de la época.
Primero
la bocetó en una tela circular de aproximadamente 20 centímetros que
actualmente se conserva en la colección Alberto Mena Caamaño del Centro
Cultural Metropolitano, y posteriormente la plasmó sobre una moneda de dos
centavos, conocida con el nombre de El Centavo.
La
obra de temática religiosa muestra un entorno en caos que
incluye, pese al tamaño, 18 personajes.
Dies
Irae en latín significa “día de la ira” o también conocido como el día del
juicio final. Tal parece representarse en la obra de Pinto, una escena caótica
donde la humanidad está siendo juzgada por los ángeles.
Tomando
en cuenta que la mayoría de obras artísticas de la época fueron pensadas para
adoctrinar a los indígenas, el sentido del castigo o salvación han sido la
temática ya de muchas otras obras como El
infierno y El juicio final (Iglesia
de la Compañía) que transmiten a la
gente el temor de sufrir en un lugar decretado para los que obran mal.
También
la obra se puede apreciar elementos representativos nombrados en Apocalipsis,
como:
Trompeta Ángel
caído
Ángel
Virgen y Predicador Arrojados al fuego Caballo
Análisis Formal
Punto de interés: Ángel sosteniendo un libro, ubicado en el centro de la pintura.
Peso visual: Parte inferior izquierda, donde se encuentra el ángel caído, ángeles
armados, la virgen María, la trompeta, el predicador.
Planos de profundidad:
Primer plano: Ángel con libro en el centro de la obra.
Segundo plano: Virgen, predicador, ángel caído, trompeta, mujer,
caballo, esqueleto, personajes arrojados al fuego.
Tercer plano: Multitud de personas y ángeles envueltos en una lucha.
Estudio Académico del Hombre
Autor: Luis Cadena
Colección Casa de la Cultura Ecuatoriana.
Biografía del autor.
Luis Cadena fue un pintor ecuatoriano
(Quito, Machachi 1830 – Quito 1889). Desde pequeño manifestó especiales
aptitudes para el dibujo que aprendió a desarrollar al lado del maestro quiteño
Antonio Rafael Salas. En 1852 viajó a Chile donde trabajó con el pintor francés
Monvoisi, y luego realizó estudios en Roma becado por el gobierno del
general Francisco Robles. A su regreso al Ecuador, en 1860
abrió una Academia patrocinada por el presidente García Moreno, y más tarde fue nombrado director de
la Escuela de Bellas Artes.
Como
la mayoría de los pintores de esa época, Cadena se destacó en el campo de los
temas religiosos, y entre sus obras se destacan “ocho figuras colosales” para el templo de San Agustín, la imagen
de “Nuestra Señora de Pompeya”, los
lienzos de San Vicente de Ferrer, de “Cristo
en Agonía” y muchas más. Pintó también “Los
Misterios del Rosario” (iglesia de Santo Domingo), y sobresalió como
retratista clásico.
Análisis
contextual.
Año: siglo XIX
Técnica: Lápiz sobre papel.
Temática:
Realismo, Figura humana.
 |
| Dario Tipán |
Bibliografía.
- 1 Carcelén Ximena (2017) Muso de Arte Colonial – “Academias y Arte en Quito” (p. 9 – 10)
- Rosero Marco (2017) Director museos
CCE – “Academias y Arte en Quito” (p.
13 – 14)
- Museo de Arte Colonial “Carteles de información sobre la
exposición”
- CCE Benjamín Carrión (2017)
Publicaciones Casa de la Cultura Ecuatoriana / Joaquín Pinto: Álbum-Particular_(p.w)_http://www.casadelacultura.gob.ec/?ar_id=5&li_id=244&title=Joaqu%EDn%20Pinto:%20%C1lbum%20Particular&palabrasclaves=Joaqu%EDn%20Pinto:%20%C1lbum%20Particular
- Got
Questions (s.f) ¿Qué dice la biblia del fin del mundo? (p.w) https://www.got
questions.org/Espanol/el-fin-del-mundo.html
-
Muñoz
Verónica (2017) El genio de un artista incomprendido en su tiempo – “Academias y Arte en Quito” (p. 51 – 61)
-
Mcn
biografías (s.f) Cadena, Luis (1830 –?) http://www.mcnbiografias.com /app-bio/do/show?key=cadena-luis
-
Afiles
Efren (s.f) Enciclopedia del Ecuador (p.w) Luis Cadena, personajes históricos,
rescatado de http://www.enciclopediadelecuador.com /personajes-historicos/luis-cadena/
viernes, 12 de mayo de 2017
Academias y Arte en Quito
Academias y Arte en Quito 1849 – 1930
El Museo de Arte Colonial presenta esta novedosa exposición, en la que se destaca un periodo importante para el desarrollo de las artes en el Ecuador, que surge de las nuevas propuestas artísticas, que estuvieron en boga en la Europa ilustrada del siglo XIX, y cuyo propósito fue desarrollar expresiones artísticas distintas, que se identifiquen con el mundo moderno1.
Análisis Contextual.
A lo largo de la segunda mitad del siglo XIX, ya sea desde iniciativas
privadas o esfuerzos gubernamentales, se buscó establecer instituciones de
formación artística; durante este periodo fueron más notorios los esfuerzos
iniciales que demostraban que el modelo a seguir era el de la academia de
bellas artes, especialmente la italiana.
La Escuela de Bellas Artes en Quito fue inaugurada el 24 de mayo de 1904
y funcionó, inicialmente en el kiosco de la Alameda y luego en la casa anexa al
Teatro Sucre. En 1906 finalmente se trasladó a una casa propia otorgada por el
gobierno, en la esquina de las actuales Montufar y Espejo. De este modo se
llegó a establecer la educación artística de manera permanente.
Desde 1905 su director, el litógrafo español Víctor Puig se empeñó en
dotarla de la infraestructura necesaria, de un programa educativo inicial,
material didáctico y profesorado adecuado. Contrató profesores europeos y
ecuatorianos que habían estudiado en Europa, entre ellos el español León Camarero
para la Cátedra de dibujo, al italiano Carlo Libero Valente para escultura y al
ex becado ecuatoriano en Roma, Wenceslao Cevallos para pintura.
Análisis Histórico.
Las academias de bellas artes se crearon bajo las premisas de que el
arte era universal y de que sus reglas y técnicas se aprendían a través de
métodos de enseñanza rigurosos y sistemáticos. Nacieron en el renacimiento
italiano con la Academia de dibujo de Leonardo Da Vinci, como instituciones que
buscaban liberar al creador de la tiranía de los gremios medievales, liderados
por las preferencias, aparentemente arbitrarias de su maestro.
La Escuela de Artes y Oficios y la Academia de Bellas Artes tenían funciones
muy distintas. En Europa, la escuela de artes y oficios aparece como una
institución moderna después de la revolución industrial, como respuesta a la
necesidad de formar al obrero industrial tanto en educación básica como en la
técnica, y por la necesidad de introducirlo en los principios del diseño y la
estética. En el Ecuador del siglo XIX, cuando la industrialización era
incipiente y más que nada una aspiración de quienes diseñaban un modelo de
Estado moderno, la confusión entre este tipo de instituciones era comprensible,
y aun cuando a fines de siglo se establecían escuelas de artes y oficios por
todo el territorio nacional, la confusión continuaba.
Presidentes como Francisco Robles, Gabriel García Moreno, Leonidas Plaza
Gutiérrez, Eloy Alfaro, Alfredo Baquerizo Moreno impulsaron esas novedosas
propuestas artísticas, expidieron reglamentos y leyes que permitieron incluir
dentro de la malla curricular el aprendizaje de la música y de las artes en las
escuelas, y concedieron becas a destacados estudiantes a fin de que asistieran
a distintas academias en Europa y, a su retorno, se convirtieran en maestros y
en algunos casos en directores de esas instituciones.
Cuando Ecuador empezaba a dar ciertos pasos en pos de la formación de un
Estado moderno, el presidente Vicente Rocafuerte (1835 – 1839) se había
preocupado por iniciar un plan de educación
y hacia 1936 dicta el “Decreto Orgánico de Enseñanza Pública”. Para el
presidente García Moreno (1861 – 1865 y 1869 – 1875), la instalación de la
educación pública en distintos niveles y categorías marcaría también una
política de Estado, y el desarrollo de las ciencias y artes estaría visto como
el cimiento de cualquier nación moderna.
La academia se dividía en 8 secciones:
- - Arquitectura.
- - Dibujo natural.
- - Dibujo Objetivo.
- - Acuarela.
- - Pintura (figura humana).
- - Pintura (naturaleza muerta).
- - Dibujo de aplicación (litografía, fototipia y grabado).
- - Escultura.
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| Paisaje Urbano (Siglo XX) José Espín Óleo sobre tela |
 |
| Estudio figura humana Lápiz sobre papel |
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| Cabeza Ares dios de la guerra (Siglo XX) Escultura en Yeso |
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| Federíco Gonzales Suarez. Estudio (Siglo XX) Luigi Casadio Yeso |
